culturaUNAM   museo universitario del chopo Twitter Facebook youtube Instagram Twitter newsletter

FESTIVAL

Bullshit Mex

Muestra de procesos de investigación-creación en artes vivas

 

Bullshit Mex es una muestra de piezas escénicas de artistas iberoamericanos que busca el encuentro e intercambio de saberes relacionados con los procesos de investigación y creación de las artes vivas. Las obras que se presentarán a lo largo de cinco días en el Museo Universitario del Chopo tienen un carácter multidisciplinario en tanto incorporan elementos del performance, la danza, el teatro y la música, lenguajes englobados en el concepto de artes vivas.

 

Un total de 19 creadores de España, Uruguay, Brasil, Chile y México presentan al público 17 piezas. El espíritu que reúne a duplas de artistas y a artistas individuales en esta muestra es la reflexión en torno de la mutabilidad de los procesos creativos, la persistencia en la experimentación y el interés en establecer vínculos entre la comunidad de artistas.

 

Bullshit Mex también incluirá charlas con los artistas y conversatorios con especialistas en torno a cada una de las obras, y su labor creativa, convocadas en esta muestra.

 

Esta primera edición en México es una continuación de Bullshit Fest, llevado a cabo en España con el propósito de presentar los procesos de investigación en artes vivas, realizados por los estudiantes del Máster en Prácticas Escénicas y Cultura Visual de la Universidad de Castilla La Mancha, generación 2015-2016, el cual se llevó a cabo en el Teatro Pradillo de Madrid en 2016.

 

Dicho festival contribuyó a expandir los contextos de colaboración, debate y pensamiento, además de generar encuentros que iniciaron un intercambio de visiones y saberes en el ámbito artístico, así como el establecimiento de redes de cooperación entre la comunidad local y los participantes internacionales.

 

23 a 27 de agosto de 2017
Entrada libre

 


  bullshit

Artistas y piezas participantes

 

   
23 de agosto

 

Al final de los brazos están las manos,

al final de los dedos nosotras estamos
Twins Experiment [Laura Ramírez y Ainhoa Hernández (España)]

 

Conversación: habitación o morada
Conversar, conversar para que en el “entre” se produzca algo
Generar un espacio donde convivir desde el afecto
Darnos el tiempo
Darse el tiempo para recuperar el espacio para el disfrute, y también para la confrontación, porque conversar es confrontar, porque encuentro es herida
Jugar a las correspondencias para resignificarnos, pero todo el rato
Hacer para nada
Divagar para estar juntas
Conversar un espacio y darnos el tiempo
Generar el “entre” y confrontar
Revisitar el disfrute donde convivir desde el afecto
Dejar la herida abierta
Jugar, jugar, jugar
Correspondencias pero todo el rato, para resignificarnos, para nada, para estar juntas

 

Laura Ramírez (1988). Es parte del colectivo Twins Experiment y coordinadora del Laboratorio de Movimiento Mov Lab en Madrid, el cual investiga la construcción de prácticas grupales a través del movimiento y el cuerpo.

 

Es parte de Labo 18h, proyecto francés de investigación delas prácticas grupales y su aplicación en las artes vivas. Ha colaborado con la coreógrafa Aitana Cordero y con Lucas Condró.

 

Fue integrante del Laboratorio de Creación Los trabajos del amor, de Claudia Faci, en el marco del Festival El lugar sin límites, realizado en el Teatro Pradillo/CDN.

 

Fue parte del proyecto Unfaithful Replica, de Xavier Le Roy y Scarlet Yu, realizado en el CA2M en Madrid. Su proyecto más próximo esYABBA, de María Jeréz.

 

Es egresada en Teatro Físico de la Real Escuela Superior de Arte Dramático, en Madrid. Cuenta con estudios en danza y coreografía con Aitana Cordero, Paz Rojo, Bruno Listopad, Katie Duck, Deufert and Plischke y Elena Córdoba.

 

Ainhoa Hernández (1989). Ha colaborado con los colectivos Play Dramaturgia y Los Bárbaros; es parte del colectivo Twins Experiment. Formó parte del Laboratorio de Movimiento y Prácticas Grupales Mov Lab y del Laboratorio de Creación Los trabajos del amor, de Claudia Faci, en el marco del Festival El lugar sin límites en el Teatro Pradillo/CDN.

 

Fue parte del proyecto Unfaithful Replica, de Xavier Le Roy y Scarlet Yu, realizado en el  CA2M Madrid. Próximamente colaborará en la pieza YABBA de María Jeréz.

 

Fue coordinadora de un proyecto de rehabilitación del Teatro Cervantes en Tánger. Gestiona iniciativas curatoriales con Andrea Rodrigo y Elena Zacagnini. Cuenta con estudios en teatro físico (técnica Lecoq), en danza y coreografía.

Estudió filosofía  en la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED); y realizó el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en ARTEA-UCLM-Museo Nacional Reina Sofía.

 

 

 

 

twins experiment

Twins Experiment [Laura Ramírez y Ainhoa Hernández (España)]

Bordeando lo imposible.

Una comunidad apasionada permanece en el intento. Siempre en el intento
Florencia Martinelli (Uruguay)

 

Una comunidad apasionada permanece en el intento. Siempre en el intento

Toma la silla y la sube. Con su barriga la aprieta contra la pared, en una de sus piernas la rodilla avanza, el pie va hacia atrás. En las manos: la cinta, primero colocada en la pared, atraviesa la silla y nuevamente la pared.

 

La pierna y la barriga siguen ahí, sostienen a la silla. Otra vez N despliega la cinta que suena. La corta. Vuelve a repetir la acción de pegar con la cinta la silla a la pared.


Una vez y otra y otra y otra cada tanto N se separa de la silla, la suelta.

Ésta cae y entonces todo vuelve a comenzar. Agarra la silla y la sube...

 

Florencia Martinelli (1970). Coreógrafa, bailarina y docente. Fue integrante de las compañías Trust Me y Contradanza. Trabaja como docente en investigación del movimiento y composición en danza contemporánea desde hace 20 años.

 

Es autora y directora de las obras Bordeando lo imposible (2016); Otra maraña insistente (2015); Maraña  (2014); LCSR/ Las cosas se rompen (2013); Amorfo (2010); Bajo el mediodía (2008); Una semana (2007), creación en co-dirección con la Compañía Trust Me; Egocéntrica (2004); La conquista (2002); El faro/luz que vuelve (2000); y Ella dormilona (1997). Cursó el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en la Universidad de Castilla-La Mancha, impartido en el Museo Reina Sofía (2015-2016).

 

Proyecto apoyado por: INAE, Instituto de Artes Escénicas. Ministerio de Educación y Cultura, Uruguay.

 

 

 

bordeando lo imposible

Florencia Martinelli (Uruguay)

VIDEOCLIP
Magdalena Leite-Anibal Conde (Uruguay – México)

 

 

 

Si ese espacio es algo, es energía y fisicalidad,
y deberías poder sentirlo en el cuerpo”.

 Lou Reed sobre Metal Machine Music


VIDEOCLIP es una investigación coreográfica que toma elementos del cine estructural y de los videoclips para proponer un espacio de contemplación y experimentación sensorial que es activado por dos performers en vivo a través del sonido, la imagen proyectada y sus cuerpos.

 

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
 

videoclip

Magdalena Leite-Anibal Conde (Uruguay – México)


24 de agosto

 

 

Cosas que suceden en México
Magdalena Brezzo (México)

 

Pieza que reflexiona acerca del feminicidio en México, donde desaparece una mujer cada tres horas con 25 segundos.

 

Magdalena Brezzo (1970). Coreógrafa y escultora; fusiona el lenguaje del movimiento con otras disciplinas como las artes plásticas y el cine.Cuenta con un Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (España); y con la Licenciatura en Coreografía  en la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea (Ciudad de México); es fundadora, directora y coreógrafa de la Compañía Camerino 4  (Ciudad de México). Recibió en cuatro ocasiones el Premio Nacional de Danza por las obras Lola (2009); Chocolate (2006); Azares para cinco (2004); e Historias múltiples (2003).

 

El video El hombre que confundió a su mujer con un sombrero, de su autoría,es parte del archivo del MOMA, de Nueva York. Sus obras se han presentado en Latinoamérica, Europa y Asia. Recibió el Premio del Público en el Festival Lilia López, en San Luis Potosí, por la obra Scrabble en 2008. Actualmente es parte del Sistema Nacional de Creadores del FONCA.

 

 

   

Eso que vi
Manuel Parra García (México, residente en España)

 

Pieza escénica producto de una investigación y reflexión acerca de la televisión mexicana y su influencia en el individuo, particularmente en su comportamiento e imagen. El artista explica que creció en una generación  donde la televisión dictaba la imaginación y el estereotipo del mexicano.

 

Estanislao Barrientos es el personaje central de la pieza escénica; mediante diversas estrategias se reconfigura su cuerpo que está invadido por diversas imágenes y sonidos.


Eso que vi surgió de caminar en una manifestación contra la regulación de los medios electrónicos en México, bailar el rock de la langosta, escuchar a Caifanes, leer, estudiar un máster en Madrid y editar videos durante seis meses.

 

Manuel Parra (1981). Estudió el Diplomado en Actuación en la Secretaría de Cultura de  Jalisco, así como producción y dirección es­cénica en el Centro de las Artes de San Luis Potosí. Está interesado en la actuación y la dramaturgia.

 

Colaboró con los colectivos Inverso y A la deriva teatro. Ha participado en la Muestra Nacional de Teatro (ediciones 2009 y 2010); Festival Otras Latitudes (2010); Festival Reposiciones (2011); Encuentro Telecápita (2013); Encuentro de Teatro Caín (2011-2015); Feria Internacional del Libro (2009); y Encuentro MET en Guadalajara 2014-2015. Colaboró con el Instituto de Artes de California Calarts y con la Universidad de Guadalajara; participó en el Festival de Otoño a Primavera en Madrid y en el Kunstenfestivaldesarts en Bruselas, con la compañía mexicana Lagartijas Tiradas al Sol.

 

 

 

Eso que vi

Manuel Parra García (México, residente en España)

Espacio hacedor
Julián Pacomio (España)

 

Pieza escénica que abordala arquitectura más allá del ámbito de la construcción; lo hace más bien con un enfoque literario, conceptual y artístico. La performatividad de la pieza reside en la planificación y exhibición de diferentes espacios utópicos edificables durante la representación.

 

Propone identificar, analizar y construir arquitectónica­mente los posibles espacios entre un original y su copia. El interés radica en el potencial estético del espacio que se encuentra entre dos productos casi idénticos.

 

Julián Pacomio (1986). Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Obtuvo una beca de intercambio con la Pontificia Universidad Católica de Chile. Cuenta con un Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual por Universidad de Alcalá y el Museo Reina Sofía, en colaboración con La Casa Encendida y Matadero Madrid. Realizó una residencia artística con el proyecto Espacio hacedor en La Casa Encendida y CA2M en 2016.

 

Otros proyectos de artes escénicas que ha realizado son My Turin Horse (Matadero, Madrid, 2012) y Psicosis ex­pandida (2015), que se refieren a la copia, el remake, la traducción y la apropiación de materiales ajenos. Actualmente trabaja en la librería La Central como responsable de contenidos de arte contemporáneo, artes escénicas, arquitectura y música.

 

espacio hacedor

Julián Pacomio (España)


25 de agosto

 

 

Erosión
Luis Alberto Moreno Zamorano (Chile, residente en España)

 

Luis Alberto Moreno Zamorano. Intérprete, creador y docente. Actor egresado de la Escuela Teatro Imagen. Estudió la Licenciatura en Teatro en el programa especial de titulación de la Universidad Bolivariana.

 

Actualmente reside en Madrid, becado por el Fondo Nacional de la Cultura y la Artes para cursar el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad Castilla La Mancha en colaboración con Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y ARTEA.

 

Impartió el taller El infinito devenir del cuerpo, en diversos espacios culturales. Ha sido profesor en el área de movimiento en las escuelas de teatro de la Universidad de Valparaíso, Teatro Imagen y Universidad de las Américas. Fue integrante del colectivo de arte La Vitrina. Es co-creador de la pieza Algunos mitos sobre el cuerpo y otras siutiquerías, pieza con la que ha participado en los festivales StgoOff, Vertientes, Danza en Emergencia, Findantz en Stgo y Regiones. Ha colaborado con Pablo Zamorano en las obras Deuday Crónicas.

 

Fue asistente de dirección en Suite, de Georgia del Campo; y actor en La imaginación del futuro, de la compañía La Resentida, con la que realizó gira en Europa y Asia en 2015. Actualmente es docente en las escuelas deTeatro Imagen, en Santiago de Chile, y en La Universidad de Valparaíso.

 

 

 

 

Erosión

Luis Alberto Moreno Zamorano (Chile, residente en España)

El público está aquí
Sabela Mendoza Fernández (España)
Conferencia-performance

 

En esta pieza las asistentes han dejado de ser personas para ser espectadoras: ¿Son “el otro” para la escena, para el artista, o son “las otras” para sí mismas? Su función en la obra, la función del público, es también esta representación.

 

El lugar del público es un espacio vacío, una función espacio-tiempo neutralizada, una bisagra donde se desdoblan los sentidos. El público se cuenta en cifras, se le quiere atraer y fidelizar, tiene un día especial, es objeto de estudios, estrategias y deseos, se define su participación… y se dibuja el espacio de su experiencia: aquí.

 

En este ensayo de público, una es­pectadora propone ejercicios para dislocar su atención: a zonas invisibilizadas, a tiempos interrumpidos y a códigos desconocidos. ¿(A) dónde estamos mirando? Ejercicios sobre cómo dirigir la mirada hacia lo no señalado, o cómo acceder con ella de un modo diferente a lo aparentemente ya conocido.

 

Más allá de definir una posición del espectador en el mapa artístico contemporáneo, se trata de des­montar identidades para generar espacios de libertad que se relacionen con el territorio de lo posible. De mirar con el cuerpo, que distingue más de dos lados.

 

Sabela Mendoza Fernández (1984). Su trabajo está centrado en las artes escénicas, la danza y la cultura contemporánea; escribe sobre danza en revistas y en el blog acuerpodebaile.com. En los últimos diez años se ha dedicado al comisariado de exposiciones de literatura e ilustración.

 

Dirigió el Festival Ilustrotour y ha colaborado en proyectos artísticos de redes e itinerancias internacionales. Colabora, desde 2006, con el coreógrafo y bailarín Javier Martín, en proyectos de investigación relacionados con el movimiento y el lugar (y no lugar) de la danza en la actualidad.

 

 

 

 

El publico esta aqui

Sabela Mendoza Fernández (España)

Masa madre & sal marina
Cristina Balboa (España)

 

 

Cristina Balboa (1979). Actriz, codirectora artística y dramaturga de Funboa Escénica. Ha trabajado en las obras Queremos bailar! y Las verdades duelen, como actriz, creadora y asistente de producción.

 

Realizó el Postgrado de Especialización en Arte Dramático: Teoría y Práctica de interpretación, en la Universidad de Santiago de Compostela. Escribió e interpretó los monólogos No me cuentes tu vida y Biolóxica.

 

Masa madre y sal marina

Cristina Balboa (España)

 


26 de agosto

 

 

Imagen.archivo
Cachorro Lozano (España)

 

Performance que surge de una experiencia personal hiperbolizada y ficcionada que reúne un proceso experimental. Trabaja a manera de satélite alrededor de la hipersexualización e hiperexposición del sujeto a través de la incorporación de diferentes técnicas de ficción como la creación del alter ego, el disfraz, la pantomima, o el trabajo virtual. Una suerte de concierto-ceremonia músico-cibernética. Un poema visual que es simultáneamente una webcam live show relatado. 

 

Cachorro Lozano (1993). Estudió la Licenciatura en Arte en la Universidad Euskal Herriko Unibertsitatea, con especialidad en fotografía y performance. Realizó el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, así como una estancia artística en París con la artista cubana Tania Brugera.

 

Sus planteamientos artísticos están basados en el tema de la construcción de identidad en Europa durante el siglo XXI. Trabaja constantemente en la revisión de la sexualidad, el género y su relación con la cultura capitalista y las políticas liberales, a través de lo audiovisual, performativo y textual.

 

El archivo se ha perfilado como una metodología de obsesión exponencial que lo conduce a crear obras seriadas, donde surge lo que se puede considerar como “metaobras”, marañas o fractales de proyectos que se engarzan unos a otros.

 

 

 

 

Daniel Lozano

Cachorro Lozano (España)

 

 

Ensayos para el fin del mundo. Ensayo no. 1. Después del fin
Ana Luisa Fortes y André Felipe Costa Silva (Brasil)

 

 

Las señales son cada día más claras: se puede percibir en la desaparición de las florestas, en una civilización asesinada a sangre fría, en nuestra respiración jadeante, en la muerte de una lengua, en el calor del invierno pasado. ¿Y si el fin llega antes de lo que esperamos? El fin del mundo es realmente el fin del otro. ¿Quién dijo eso? Una estudiante de doctorado en literatura escribe un ensayo sobre el fin del mundo, mientras intenta lidiar con la muerte reciente de un amigo cercano. Todo lo que tiene es su voz grabada en un mensaje que nunca contestó.

 

El ensayo Después del fin forma parte de una trilogía teatral compuesta por monólogos performativos con distintos puntos de vista sobre este tema creados por la Compañía A Ursa de Araque (Brasil).

 

Ana Luiza Fortes (1986). Actriz de formación, interesada en distintos lenguajes artísticos. In­tegrante y cofundadora de la Compañía A ursa de araque (Brasil) y del Colectivo Piscina. Realizó un Máster en Teatro que estudió en su país. Cuenta con estudios en fotografía y danza clásica hindú en Buenos Aires, Argentina. Actualmente estudia el doctorado en España.

 

Algunos de sus principales trabajos en teatro son: O segundo inverno (2015); Sem horas (2014); Um certo tipo de abalo irremediável do espírito (2014); À distância - Lado A e Lado B (2013); Anti- Nelson Rodrigues (2012); Guardachuva (2010); Medo de morrer longe de ti (2010); Wo­meńs (2009); y Acordes, uma canção (2002), con las cuales se presentó en  Brasil, Cuba, Argentina y Perú.

 

despues del fin

Ana Luiza Fortes (Brasil)

 

 

Experiments for a non submissive body
Tulio Rosa (Brasil, reside en España)

 

Proyecto que investiga la relación entre el arte y la política, tomando como punto de inicio las imágenes y discursos difundidos por los medios de comunicación. Más que la creación de una obra única, Tulio Rosa realiza un trabajo que se compone de experimentos variados que están en constante mutación y la unión del lenguaje audiovisual con prácticas performativas y de escritura.

 

En las calles de Sao Paulo, producido por las bombas de la policía militar, o en los márgenes de la guerra en Siria, el humo es la señal de alerta que dispara este proyecto. La violencia y la destrucción que insisten en operar en la contemporaneidad exigen una postura al respecto que sea frágil e ineficiente como el propio cuerpo que la asume frente a contextos complejos.

 

Ahogado entre imágenes y memorias, marcado por cicatrices y cargado de indignación, ¿qué puede producir un cuerpo para escapar de la pasividad y la sumisión que le son impuestas por los contextos que habita?

 

Tulio Rosa (1989). Cursó el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en la Universidad Castilla La Mancha/Museo Reina Sofía (Madrid, 2016). Graduado en Danza Contemporánea por la Fa­cultad Angel Vianna (Río de Janeiro, 2011). Es actor independiente desde 2009, interesado en procesos abiertos y colaborativos, así como en la disolución de las nociones de autoría y obra de arte.

 

Su obra se ha presentado en diversas ciudades de Brasil, Portugal, Argentina y Eslovenia. Colabora con Marcelo Evelin en el espectáculo Suddenly Everywhere is Black With People, presentado en más de 17 países. Actualmente investiga las conexiones posibles entre arte y política.

 

 

 

 

Tulio Rosa

Tulio Rosa (Brasil, reside en España)

Metopio

Javier Martín (España)

 

 

Y los cuerpos abandonan la naturalidad y se dejan ganar por el sentido estético del ritmo.

 

Estreno del perfomance de danza del artista Javier Martín. Se trata de un proyecto de intervención artística basado en la improvisación de movimiento, en el que los cuerpos presentes, tanto del bailarín como del espectador, con su atención e intención, construyen y sostienen el momento. Su intención es dialogar con el entorno específico de las salas de museos, edificios históricos y arquitecturas simbólicas, enriqueciéndose de sus significados.

 

Javier Martín. Coreógrafo y performer. Su trabajo está enfocado en la investigación en artes del movimiento y basado en los rigores de la improvisación como principal método de creación y lenguaje escénico.

 

Ha presentado más de 30 piezas de su autoría como Control, El ansia, El estado crudo, El antiedipo o Symptoma, esta última en colaboración con el músico ruso Oleg Karavaichuk. Presentó la pieza La exforma, una de sus creaciones más audaces en 2016. Su trabajo como creador se refiere a un proceso de investigación de corte epistemológico.

 

javier-martin-oximorica_metopio

Javier Martín (España)


27 de agosto

 

 

Movimientos ascéticos imposibles_acción 5
Janaina Carrer (Brasil, residente en España)

 

Una serie de performances y una acción escénica. Un cuerpo y diversos obstáculos. Repeticiones que cambian el instante presente. Movimientos como pasaje de la potencia al acto, como cambio o alteración de una naturaleza. El mo­vimiento como variaciones entre pensamiento y acción, arte y vida. El desplazamiento constante de mi propia naturaleza.

 

Ascéticos, una ascese no sólo como mortificación, en su sentido más restricto, como un conjunto de ejercicios para reconocerse y rehacerse a sí misma. Encontrar prácticas y dispositivos poéticos, en el contexto diario, escénico y/o performático, para mantenerse en el eterno “cultivo de si”.

 

Imposibles: imposibilidad como una utopía, una reconstrucción que implica el fracaso constante. Todo aquello que no logró llegar nunca pues que no existe fuera de ahí, de la propia pulsión de vida.

 

Janaina Carrer (1984). Performer y bailarina. Cursó una parte del Máster en Prácticas Escénicas y Cultura Visual en la Universidad de Castilla La Mancha en Madrid; y la  Maestría en Artes Escénicas por la Unicamp, Sao Paulo, Brasil.

 

Desarrolla su trabajo entre el performance, el video y la danza. Está interesada especialmente en las conexiones cuerpo-mente y arte-vida, y en procesos creativos. Fue invitada al Segundo CCBB Música y Performance del Centro Cultural Banco do Brasil; y artista residente en Nuvem, Estación Rural de Arte y Tecnología (Río de Janeiro).

 

Sus piezas de video-performance han sido presentadas en la II Bienal Perfor Art Net en Bogotá y Bucaramanga, Colombia; Encuentro Nacional de Performance, en Pachuca, Hidalgo; Torino Performance Art, en Italia; La presencia y lo efímero, en Querétaro, México; Cuerpo en Punto, en Argen­tina: Now and After International Video Art Festival en Moscú, Rusia. Actualmente es parte de La Plataformance, estación de trabajo en performance (Sao Paulo).

 

movimientos asceticos imposibles

Janaina Carrer (Brasil, residente en España)

 

 

Esta pieza no es para mi madre
Emmanuel Pacheco (México)

 

Emmanuel Pacheco (1986). Coreógrafo y bailarín. Estudió la Licenciatura en Artes en la Universidad de Sonora (2005). Recibió mención honorífica por la coreografía Haima y el premio a mejor coreografía por la obra I.u.v, ambos en el marco del Concurso Regional de Coreografía Contemporánea, realizado en Sonora.

 

Colaboró en Producciones Lágrima, compañía dirigida por Adriana Castaños en 2007; presentó el Work in Progress Numb, en Melbourne, Australia, en 2012. Fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en la categoría Joven Creador (2012-2013). Integrante, fundador y director del Colectivo Viso, que presenta Viso Out Festival. Estudió el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad Castilla La Mancha.

 

 

   

Vacas venéreas
Natasha Padilha (Brasil, residente en España)

 

Concierto con temas autorales; una fiesta para celebrar el brillo del glitter, un ritual de diversidades, uno cambio de sexo, una bandera queer, un territorio sin fronteras, un oratorio, un pasaporte a la  felicidad, un colapso fiable, una lluvia de confetti, un diario de confesiones, un diario de confusiones, una histeria colectiva, una runway on fire, un sobaco teñido de rosa, una wonderland, una wonderwo­man, una wonderful party.

 

Natasha Padilha (1990). Graduada en artes escénicas por la Universidad de Brasilia. Cuenta con el Máster en Prácticas Escénicas y Cultura Visual realizado en la Universidad Castilla de La Mancha y ARTEA. Desarrolla proyectos interdisciplinarios como performances, acciones, texto, bordado, tatuajes, video y música.

 

Obtuvo una residencia artística de parte del Fondo de Apoyo a la Cultura del Ayuntamiento de Brasilia para realizar proyectos en España. Ha impartido talleres y colaborado internacionalmente con grupos como La Pocha Nostra (México-Estados Unidos), El Conde del Torrefiel (España) y Lola Arias (Argentina). Actualmente reside y trabaja en Madrid con su grupo de música Vacas venéreas.

 

vacas venereas

Natasha Padilha (Brasil, residente en España)

 

 

 

After
Alejandría Cinque (España)

 

En el AFTER habitan tres sujetos subalternos en cuya práctica existe una posible fisura en la normatividad que nos gobierna. El travesti, el sex-worker y el yonqui se proponen como tres ejemplos a seguir en una narración a oscuras acompañada de audios, pequeñas acciones y juegos de luces que iluminan un camino hacia la insurrección. Durante la pieza se invita al espectador a adentrarse en el submundo donde se desdibujan los límites de lo posible y lo correcto.

 

Alejandría Cinque (1990). Cuenta con la Licenciatura en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual realizado en el MNCARS y coordinado por ARTEA. Su obra está centrada en la investigación artística a través del cuerpo buscando poner en crisis los límites de lo físico, lo moral y lo políticamente correcto.

 

Para lograr su propósito desarrolla proyectos de alto contenido crítico trabajando conceptos como revolución, erotismo, generación y desobediencia civil, procurando crear nuevas estrategias de activismo político a través de la retórica de la imagen. Ha trabajado con Bruce LaBruce, Andrés Senra, Cabello/Carceller y Elena Córdoba, entre otros.

 

alejandria cinque

Alejandría Cinque (España)

Foto: Jorge Mirón


 

   

pinterest

 

 

 

   

 

   
 

 

 

 

inicio exposiciones chopoenvivo artes vivas literatura expandida talleres cine prensa descargas contacto historia directorio mapa del sitio

logoUNAM