A partir de 30 nov. 23
El fin de lo maravilloso I Cyberpop en México
Exposición colectiva
Semblanzas de los artistas participantes
Leonardo Ascencio (Guadalajara, 1993)
Nacido en Guadalajara Jalisco, egresado de la licenciatura de artes por parte de la Universidad de Guadalajara además de estudiar grabado en el taller del Museo del Periodismo y artes Gráficas(MUPAG), su obra ha sido expuesta en espacios e iniciativas locales como el Luis Galería, Save the Artist, Ex Convento del Carmen, Museo Cabañas, Otro Espacio además de Interior 2.1 y a nivel nacional en espacios como Neo Tortillería, Proyectos Multipropósito, Compas 88, Sala GAM, Yope Proyects y las plataformas digitales Centro Cultural Kappa y Terser Mundo. Actualmente codirige Grupo Ascencio iniciativa enfocada a la gestión y exposición de proyectos artísticos y es miembro del grupo de estudio Miércoles de Plaza. “Mis propuestas se desarrollan utilizando medios como la pintura, el dibujo, la instalación, el ensamble y los medios digitales, me intereso en el uso de residuos provenientes de internet y estéticas vinculadas con el consumo para indagar en la noción de identidad en el momento actual, mediada por la aceleración en el consumo y difusión de la información.”
Marco Aviña (CDMX, 1986)
La búsqueda artística de Marco Antonio Aviña Ayala radica desde un análisis de distorsiones sociopolíticas y mundanas dentro de la cultura popular. Su trabajo retoma iconografía y símbolos culturales para exponerlos dentro de un imaginario esquizofrénico. En sus pinturas y otros medios plásticos se denota un humor cínico y absurdista, que lo alejan de las pretensiones del arte tradicionalmente académico. Su lenguaje visual genera una conexión efímera de una presupuesta catástrofe o apocalípsis, imágenes casi subliminales de una recuerdo familiar.
Aviña es egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” de la Ciudad de México. Dentro del ámbito visual también es docente y curador, y ha expuesto individualmente en varias ocasiones. Entre ellas destacan: Seis, seis, seis, 2023 en Gaga, CDMX; Historia permanente, cronología al momento, perfectamente detallada, 2022 en barajPerfectamente Detallado,CDMX; #Todolotratocontigonohayerror, 2018 en espacio privado y 2019 en Aguirre, CDMX; Molidificación, 2017 en Espacio independiente: Granados 26, CDMX.
José Eduardo Barajas (CDMX, 1990)
Aborda la pintura y el dibujo como una disciplina para observar atmósferas luminosas, patrones de color y climas emocionales. Referenciando diversas tradiciones pictóricas, motivos populares y procesos técnicos, reconstruye fragmentos de la memoria colectiva y recuerdos personales. Este trabajo se basa en contrastes, como la abstracción y la figuración, vistas panorámicas y primeros planos, dinamismo y quietud.
Es egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda" en la Ciudad de México, México. Ha expuesto de manera individual y colectiva en México y en el extranjero, y algunas de sus exposiciones más recientes incluyen: Es ist nur eine Frage der Zeit en el Echo Cologne y Lodos, Colonia, Alemania; Mnemósine en Proyectos Multipropósito, Ciudad de México, México; Equator en la Estrella Gallery, Nueva York, Estados Unidos; Spookie butt en el Terén CED, Brno, República Checa; ¿Por dónde sale el sol? en el Jardín de casa Barragán, Mexico City, México; Campamento para jóvenes Naturalistas en el Museo de la Ciudad de Querétaro, México; y Ajuscos_Expo en la Charim Galerie de Vienna, Austria.
Wendy Cabrera Rubio (CDMX, 1993)
Explora la performatividad de los materiales históricos usando la investigación y la ficción para crear un espacio teatral que le permita visibilizar las relaciones entre estética e ideología presentes en los mecanismos de producción y distribución de las imágenes. Formalmente se encuentra explorando el fieltro sintético, un textil muy accesible utilizado en manualidades. Por su uso común dentro de las economías domésticas y su carácter "lúdico" este material le permite alejarse de las visualizaciones tradicionales del archivo lo que le facilita mostrar contradicciones y generar vínculos entre el pasado y el presente a partir de la actualización discursiva.
La artista pertenece a una generación que creció en paralelo a la firma del Tratado de Libre Comercio de América del Norte (NAFTA por sus siglas en inglés) y la guerra contra el narcotráfico. Lo primero les permitió tener acceso a una cultura global y a una serie de gobiernos que estimulaban financieramente el arte con ecos mexicanistas, así como productos culturales importados y lo segundo marcó la necesidad de hacer la crítica a los símbolos y políticas de la cultura nacional que llevó a tales horrores.
La obra de Cabrera Rubio surge del interés de mostrar el tejido que une imágenes e instrumentalidad y libera a las representaciones de una narrativa lineal. Trabaja la historia, pero no en sentido historicista, sino datando los ecos que quedan en el presente. Para ello deja al descubierto las cosas como algo accesible al tacto y lo sensible. Los objetos con los que trabaja poseen partes intercambiables que se activan por su aspecto teatral y de ventriloquía. Así, la aparente inocencia de figuras bordadas de pingüinos, tortugas y personajes históricos versionados como marionetas, se convierte en el compromiso de la artista por dilucidar y clarificar aspectos clave de la sociedad poscolonial en la que vivimos.
Luis Campos (CDMX, 1989)
Egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. En su obra mezcla soportes bidimensionales y escultóricos mediados por procesos de producción análogos y digitales. Dicho trabajo se instala en el espacio de exhibición como un enunciado expandido sobre la memoria, la historia, la especulación y la traducción como un ejercicio de estar aquí.
Paloma Contreras Lomas (CDMX, 1991)
Vive y trabaja en la Ciudad de México. mediante el dibujo, la escultura, el performance, la escritura y la instalación multimedia, Paloma Contreras Lomas aborda temas de género, violencia, estructura y herencia política, segregación de clases y post-colonialismo. Usando el paisaje como testigo en sus videos, y por medio de la creación de vestuario y personajes con carácter antropológico, Contreras logra retratos rurales a través del thriller mexicano y explora la exotización de la clase indígena, la culpa colonial y la identidad construida de la clase media. Utilizando la investigación y el acercamiento a ciertos grupos o localidades, el trabajo de Contreras Lomas contiene lazos afectivos y en ocasiones muestra una proyección autobiográfica. Paloma Contreras Lomas estudió una licenciatura en artes visuales en La Esmeralda y fue parte del Programa Educativo SOMA, ambos en la Ciudad de México. Obtuvo las becas de CIFO Cisneros Fontanals (con premio de adquisición) en la categoría de artista emergente —para la cual está grabando una película— y la beca de Jóvenes Creadores del FONCA. Su trabajo ha sido expuesto en kurimanzutto, Pequod Co., Museo Tamayo, Galería Lodos, MUCA Roma, Alumnos 47, Ladrón Galería y Biquini Wax, Ciudad de México; Galería Agustina Ferreyra, Puerto Rico; el Palais de Tokio, París; Lille 3000 Eldorado, Lille. En años recientes su obra se ha incluido en colecciones públicas y privadas como CIFO, Estrellita B. Brodsky Collection, Fundación M, KADIST y Phillips/Yuyito. Ha participado en la residencia de Lille 3000 Eldorado en Lille.
Julio García Aguilar (Oaxaca, 1993)
Nació en Ejutla, Oaxaca en 1993 y vivió́ su infancia y adolescencia en Atlanta, Estado Unidos. Su formación en arte es autodidacta. Es miembro fundador de YOPE Project Space, un proyecto enfocado a la promoción y difusión de artistas locales y extranjeros, dedicado a la exhibición y reflexión de la cultura contemporánea. Desde 2022 es miembro activo de Fundacion Covarrubias en la Ciudad de Mexico. Ha expuesto su obra en el Museo de Arte Carrillo Gil (CDMX), Kurimanzutto (CDMX), La Casa de Mexico en Madrid (ESP), Le Dernier Cri (FR), bbq LA (USA) y LADRÓN Galería (CDMX) y DELI Gallery ( CDMX).
Mariana Ledesma (Guanajuato, 1996)
Artista multidisciplinar, trabaja con sonido y medios visuales a través de diversas técnicas siendo la intervención de aparatos electrónicos (Circuit Bending) una de las mas características, sus piezas son vestigios de un presente postindustrial y la añoranza de un pasado que nunca fue como lo recordamos.
Ileana Moreno (CDMX, 1989)
Licenciada en Artes Visuales por la UNAM y tiene una especialidad en Patronaje y Confección por el Instituto Zeitgeist. Trabaja tanto con medios convencionales, como pintura, escultura y bordado como con medios no convencionales––asociados a la moda––como el glitter, el pelo sintético y el plástico. La elección de los materiales y sus combinatorias parte de las revisiones que hace de la Historia, específicamente de rituales y dioses. Las narrativas conceptuales y visuales que propone hacen uso de la especulación, la reescritura y lo lúdico para subvertir las lecturas naturalizadas del pasado.
“Ileana Moreno es una artista que cuestiona el uso historiográfico de símbolos visuales para desbordarlos hacia prácticas cotidianas donde el deseo, la performatividad y una aproximación feminista hacen vibrar su oficialidad y fijeza. Para ello, hace uso de una estética festiva en su enunciación y en sus materiales. Tanto el peluche, el plástico y el brillo como la imagen que mediatiza Tik Tok e Instagram, dan cuenta del pathos con el que trabaja: el de su presente. Los rituales se actualizan y se acuerpan para producir lo singular y lo compartido.” —Sandra Sánchez.
Su trabajo ha sido expuesto en eitoeiko, Japón. Salón Acme No. 10. CDMX. Space 52, Athenas. Cenart, CDMX entre otros. Es becaria de Jóvenes Creadores generación 2022-2023 del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales. Exposiciones individuales: Los 4 ojos de la Tierra. Almighty Goddessstuff, (dúo show: ileana moreno & Urmeer), Proyecto Nasal. 2023Hi-Tec.uhtli. La Materialidad del monstruo fértil que habiendo sido muerto explota de vida, Salón Silicón. 2023 GARPHA SPEKTRA Encarnaciones narrativas, Luis Galería. 2022 Kowatl y el mejor amigo del Sol, Estudio Marte 221. 2021 Exuvia, lo semejante cura lo semejante, Ladrón Galería. 2020 æ.m’fibie, Biquini Wax EPS. 2019 Exposiciones colectivas: Cherry Blossom Party, eitoeiko, Japan. 2023 Salón Acme No. 10. CDMX. 2023 This (Supposedly) Must Be The Place. VISA PROJECTS III, NY. 2022 Fire Regime, Space 52, Athenas. 2022 Estación Material. GDL. 2021 A Ciencia Incierta, USSR. 2021 Rundgang, Kunstakademie Düsseldorf. DE. 2021 Zona Maco. CDMX. 2021 Feria de la Acción. 2020 Reinos Artificiales, Cenart. CDMX. 2020 Artemergente, Bienal Nacional Monterrey. NL. 2020 PS1, Biquini Wax EPS. CDMX. 2019 Bienal UNAM Artes Visuales, Museo Universitario de Ciencia y Artes (MUCA). 2019.
Luis Fernando Muñoz (CDMX, 1995)
Vive y trabaja en la Ciudad de México. Cursó la licenciatura de Historia del Arte en la Universidad Iberoamericana, y Artes Visuales en la Escuela Superior de Arquitectura, en Guadalajara, Jalisco. Su trabajo se basa principalmente en la observación y estudio de las relaciones de poder, jerarquización e instrumentalización presentes en las dinámicas de consumo y producción cultural. A través de diferentes soluciones formales, como la pintura, el texto, la instalación y la curaduría, su búsqueda principal es contrastar la solemnidad
de campos de conocimiento —como la Teoría Cultural y la Historia del Arte— con la irreverencia y despreocupación de la cultura pop contemporánea.
Guadalupe Salgado (CDMX, 1991)
Vive y trabaja en Oaxaca. Estudió en la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca la Licenciatura en Artes Plásticas y Visuales con especialidad en Pintura. En 2014-15 Obtuvo la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional de Arte y Cultura (FONCA) en la categoría de fotografía. Participó en el Encuentro Nacional de Arte Joven de Aguascalientes y en el 3er Encuentro de Artes Plásticas de Tabasco en 2016.
Ha hecho residencias artísticas en No Lugar, Quito (2016), en la Tokyo Gei-Jutso Daigaku en Tokio (2016) y en Residencia Art Project en Playa del Carmen (2021).
Fue coordinadora de proyectos artísticos en Córdoba Lab y Ágora Encuentro de Arte Contemporáneo en Oaxaca. Actualmente dirige Estudio Abierto espacio de Residencias Artísticas de producción e investigación contemporánea en Oaxaca.
Urmeer (CDMX, 1991)
Nació en la década de los 90. Realizó estudios en Facultad de Artes y Diseño UNAM, Campus Expandido MUAC y SOMA. Se nombra a sí mismo como investigador privado de dibujos animados. Su práctica se desarrolla principalmente en el dibujo, llevando este lenguaje a otros medios como la escultura o la animación. Basándose intuitivamente en el mundo de la publicidad, Internet, la cultura pop globalizada y la historia reciente, explora imágenes y narraciones que subyacen la imaginación. Su trabajo es un diario público de estos mundos que consume y chocan a diario, construyendo paisajes y personajes que continuamente están siendo desarrollados en cada proyecto. Su obra se ha exhibido en lugares como: CAPC Musée d’art Contemporain de Bordeaux, Museo de Arte Carrillo Gil México, Palais de Tokyo Paris, Kurimanzutto México, Head Geneve Suiza. Recientemente realizó la residencia de Skowhegan School of Painting & Sculpture en Maine, Estados Unidos. Vive y trabaja en la casa embrujada de Biquini Wax EPS.
Alicia Valladares (Querétaro, 1997)
Artista visual y gestora cultural con sede en la Ciudad de México. Su investigación y práctica se basan en la exploración de algoritmos para el consumo de imágenes en la Internet; cuestiona e identifica líneas estereotípicas, emocionales y estéticas para su posterior reinterpretación a través de la conjugación de técnicas tradicionales con técnicas digitales. Propone un sistema de “interfaz” neo-gráfico y pictórico cuyo propósito es mostrar versiones híbridas de estas asimilaciones de ficción y especulación influenciadas fuertemente por la tendencia “Hyper Fem” y “Kawaii” cuya iconografía ha trascendido en la cultura visual latinoamericana globalmente. En su obra muestra batallas imaginarias en campos estelares y terrenales, navegando la autoficción desde una perspectiva hiperbolizada de género.
Licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado. “La Esmeralda” (2017-2021) realizó sus prácticas profesionales en el Museo de Arte Moderno (MAM) (2018-2019) fue certificada en Negocios en Arte por la Universidad Iberoamericana (IBERO)(2019).En el 2020 fue parte del equipo de pasantías en la revista de arte contemporáneo Terremoto y diplomada en Creación Literaria por el Colegio de Escritores de Latinoamérica el mismo año. Su obra ha sido expuesta por diversos colectivos dentro y fuera de la Ciudad de México (Yope Projects (Oax.), Bexpo (CDMX), LATIGX (CDMX).
A inicios del 2023 funda la plataforma y project space “SUCESIVA” dirigida a artistas emergentes y públicos interesades en la Iniciación a las Artes; donde ofrece sus servicios como agente cultural. Actualmente es parte del programa de residencias de producción en Proyectos Multipropósito (PM).
Biquini Wax EPS (CDMX, 2011)
Biquini Wax EPS no es un colectivo, no es una cooperativa, no es una galería, no es un espacio de arte, no es independiente, no es negocio, no es una casa, no es un museo, no es una estética, no es un cuarto de depilaciones, no es un casino solidario, no es una tumba tumbada, no es un quirófano, no es un yacimiento de café soluble, no es un picadero Pokemón, no es chilango, no es TV ni accionista de Netflix. No es una partícula de mole, no es un café-internet, no es una nariz 4ever, no es rock en tu idioma, no es una empresa socialmente responsable, no es un hostal sin agua caliente, no es una fábrica infinita, no es una app de las abs, no es una discoteca larga, no es un cine en la cabeza de un alfiler, no es karaoke post-alfabeta sin proyector, no es una agencia freelance de acumulación simbólica, no es un yacusi en Cuernavaca, no es un club de lectura en el desierto, no es un espacio púbico en tu celu, mucho menos un conjunto musical de autodefensa epistémica. No es un templo sin escrituras, no es una noche bohemia durante el día, no es una mancha más en la economía barroca de la mirada estrábica. Pero bien podría ser cualsea de las opciones anteriores, centrifugada dentro de una licuadora que opera gracias a la energía térmica de un enjambre de tortugas pedaleando sin parar.
- Yope Project Space (Oaxaca, 2017)
Plataforma física/virtual en Oaxaca, fundada en 2017 por seis artistas locales: Gibran Mendoza, Andy Medina,Jou Morales,David Zafra,Vidal Martínez y Kasser Sánchez. Operan mediante asambleas quincenales, abordando la difusión de arte contemporáneo. Se apoyan en patrocinios locales y talleres aliados. Adaptándose a la pandemia, lanzaron Yope PC, exposiciones virtuales. Mantienen actividad como grupo, explorando referentes digitales y pop de los 90s y 2000. Su sede está en el centro de la ciudad de Oaxaca. Acciones clave incluyen exposiciones, talleres, colaboraciones artísticas, producción en conjunto y una tienda de merchandising. YOPEstudio funciona como taller de producción para los miembros del proyecto.
Han organizado alrededor de 59 exposiciones entre ellas más recientemente: EXODIA en Fundación calosa / Yope Grupo de trabajo: Vidal Martínez, Gibran Mendoza, Kasser Sánchez, Andy Medina, Jou Morales, David Zafra en Irapuato, Guanajuato, MX el 2023; CHECKPOINT - El espectro de las máquinas mutantes en la Galería Tiro al Blanco por David Zafra, Gibran Mendoza, Kasser Sánchez, Andy Medina, Jou Morales y Vidal Martínez, en Guadalajara, MX el 2023; 1er torneo de Futbolito para artistas x Yope Projects & Nike Para la semana del arte 2023; Booth en Feria Material 9 - Ben’zaa: Marco Velasco, Andy Olguin, Miguel Cinta Robles y Yope Grupo de Trabajo en el 2023.
Adicionalmente han colaborado en 26 proyectos aparte. Recibieron apoyo del Fondo de Apoyo PAC durante el COVID y son mencionados en el libro “+50 Artista contemporáneos en Oaxaca”, Oaxaca. MX 2020.
Agradecemos el apoyo de
